El escritor y director Rodrigo García, radicado en España, presentó el libro “Evel Knievel contra Macbeth na terra do finado Humberto”, una doble publicación realizada por la editorial argentina Documenta / escénicas y por la editorial española La Uña Rota, que recopila bocetos de su último espectáculo presentado por primera vez en el Teatro Nacional Argentino, Teatro Nacional Cervantes. En el marco del encuentro Volumen Escena Editada, García conversó con el director Emilio García Wehbi, sobre su proceso creativo, los temas que atraviesan sus creaciones, la repercusión de sus producciones y la relación con el público.
Por Mailen Maradei.
Emilio García Wehbi: Viendo tu producción a lo largo de los años, hay una modificación en tu estética. ¿Vos reflexionás acerca de tu producción en retrospectiva? ¿Pensás a futuro en una línea de modificación o las modificaciones se dan manera autónoma y natural dentro del proceso creativo?
Los cambios estéticos están relacionados con mis cumpleaños. Mis primeros textos eran plagios insustanciales de autores que conocí y que me llamaban la atención cuando era adolescente. Al principio, el proceso creativo era clásico. Yo tenía el texto terminado, y luego veía qué podía hacer con eso. Pero eso duró poco. Cuando llegué a Madrid, tuve la suerte de estar en contacto con el teatro Pradillo. Allí había gente cojonuda que venía del mundo de la danza. Los trabajos de estas personas eran muy estimulantes y misteriosos. Gracias al contacto que tuve con ellas, aprendí lo que se puede expresar con el cuerpo. Todo era mucho más fácil porque podía decir auténticas barbaridades que eran normales para los actores que trabajaban conmigo porque compartíamos una forma de ver la vida, pero para el público no.
EGW: En los 90, se abrió el paraguas en términos creativos. El delirio era más fácil y había una impunidad del creador, en el mejor de los sentidos, que permitía una autenticidad del material con el que uno trabajaba. Ahora, hay un marketing del delirio, se han cambiado las prioridades… ¿Qué opinas al respecto?
Nunca presté atención a lo periférico, siempre me concentré en mi trabajo y en la necesidad que nacía de mí en cada momento. Sin embargo, es cierto que ahora cualquier tontería puede causar perplejidad en la sociedad pero lo que me preocupa es la pérdida del sentido del humor. En mi caso, la sufro mucho porque me gusta utilizar todo lo incorrecto pero lo hago simplemente como una picardía infantil para ver qué provoco y, a veces, me siento un poco desilusionado cuando veo que para el público es muy difícil encontrar otro nivel de lectura o simplemente disfrutar de la abstracción de mis obras. Ahora, es muy complicado lograr eso porque las personas pasan menos tiempo leyendo, porque todo es banal, veloz.
EGW: Cuando hablabas de la pérdida de humor, pensaba que hay un humor imposible, donde se censuran algunas prácticas del arte en función de que hay cosas irrepresentables. En ese sentido, me parece que estamos en una época un poco restrictiva…
La autocensura nunca me importó. Yo sentía que tenía que hacer algo y se acabó. En mi caso, tuve suerte porque en mis obras siempre hay una suerte de brutalidad e incorrección que tiene que ver con mi pasado. Me crié toda mi infancia y juventud en el barrio de Grand Bourg, a 40 kilómetros de Buenos Aires. Después de haber vivido en la miseria, era evidente que iba a hablar de la desigualdad social.
EGW: El público es un interlocutor presente y, de algún modo, el director de una obra quiere que se efectúe un diálogo con él. ¿Cómo entendés la relación con el público?
Es muy difícil explicar el diálogo con el público. Disfruto mucho los momentos de soledad cuando estoy escribiendo la obra. Muchas veces, me río solo en mi casa y empiezo a imaginar qué experimentará el público cuando la vea. Por suerte, el público está compuesto por individuos con diferentes opiniones, entonces lo que para algunos parece obsceno, otros lo consideran naif. Creo que la reacción no se puede medir y me da tanto miedo que me voy del teatro cuando empieza la obra. Tengo que protegerme para que mi próximo trabajo sea como lo siento.
EGW: Si tuvieras que resumir la obra Evel Knievel contra Macbeth na Terra do Finado Humberto. ¿Cuáles son los temas que te interpelaron en el momento de la creación de la obra?
Escribir esta obra fue más una preocupación literaria que escénica porque la literatura que estaba escribiendo me resultaba pobre. Esta obra significó un paso hacía una literatura de ficción delirante donde la preocupación social sigue estando de manera subyacente. Luego, me interesó darle al libro una estructura auténtica. El trabajo de un escritor es la preocupación por las estructuras, entonces me pareció importante encontrar nuevas formas de escritura.
EGW: Hasta hace unos meses, fuiste gestor artístico del Centro Dramático Nacional de Montpellier en Francia. ¿Cómo fue la experiencia de gestionar ese centro?
La experiencia fue muy linda porque hice un trabajo muy radical. No tenía la ambición de dirigir un teatro. Cuando estuve en la dirección jamás firmé algo como director del teatro y cuando me preguntaban quién era, decía ‘soy Rodrigo García, un tipo que escribe y dirige obras de teatro’. El teatro era solo una parte de la programación del centro ya que también se han realizado muchos espectáculos de danza, performances, música, festivales extraños. Se hicieron espectáculos muy atípicos que fueron muy mal recibidos por la parte conservadora del público, que se había quedado sin un sitio para ir a ver teatro de repertorio. Era un proyecto muy bonito que los nuevos directores cambiaron para volver al pasado.
